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Oil, tempera, acrylic, Japanese mineral pigment, gold leaf on paneled linen Hiromi Sengoku is a Japanese artist born in 1982 who lives and works in London, UK. Since 2008, she participated regularly to solo exhibitions in Japan and participated in numerous group exhibitions. She also joined art fairs both domestically and internationally with NICHE gallery and galerie bruno in Paris & Tbilisi. Notable awards include the Holbein Scholarship (2004), the Shell Art Award - Kunio Motoe Jury Prize (2011), Ueno Royal Museum Grand Prize Exhibition Nominee (2015), and the Sompo Japan Nipponkoa Museum of Art FACE Award/ Grand Prix (2018). She also participated as a jury member for the Holbein Scholarship in 2019 & 2021. In addition to my ongoing theme of 'reconstructing classical oil painting techniques and styles with a contemporary perspective,' Hiromi has been using a variety of painting materials in recent years, including acrylics, tempera, and mineral pigments, especially aqueous ones. This exploration stems from a desire to reconsider painting in a society that is becoming increasingly diverse and globalized while reconnecting with my identity as an artist rooted in the East of Japan. Throughout history, painting materials and techniques have developed in close relation to the climate, culture, and society of their respective regions. Artistic traditions from around the world have diversified and, in modern times, actively incorporated influences from other cultures. For example, the transmission of perspective techniques from the West to Japan during the Edo period, as well as the influence of non-Western painting traditions on Western artists from the era of Japonism to modern and contemporary artists like Matisse and Hockney for example, demonstrate the significant impact of cross-cultural exchange on painting. However, when revisiting the history of painting, she noticed that before the differentiation of painting materials and techniques, there were many commonalities. Pre-Renaissance works such as tempera and frescoes shared simplicity in lines and flat color surfaces, and an expression of space that did not rely on perspective. These aspects had significant parallels with Japanese Yamato-e paintings, and there were similarities in the use of isometric perspectives with oblique lines and the depiction of human figures and creatures. This shared expression had a deep connection with the inherent properties of the painting materials. The artist found the source of these common expressions in ancient cave paintings. Using pigments made from readily available materials, ancient artists created images on cave walls, utilizing the texture of the rock surface to bring their depictions to life with minimal lines, even conveying spatial depth. The desire of humans to 'recreate images on a flat surface' is primal, and the excitement when lines and colors begin to form images, giving birth to 'the world,' is a universal experience transcending time and culture. This primal sensation of 'the world emerging on a flat surface' is what I aim to capture on canvas, allowing viewers to rediscover and experience the 'illusion' inherent in paintings. To achieve this, she deliberately retains elements such as visible drawing lines and the materiality of natural paints in my works. The unpredictable qualities of water-based paints, like their absorption and uncontrollable spreading, not only aid in this endeavor but also infuse the works with an Eastern sensibility. The subjects of her paintings are drawn from everyday life, often highlighting seemingly inconspicuous moments or words that resonate with me. This process is driven by my desire to depict the universality of our world and, at its core, the hope to find something meaningful even in the textures and stains on the canvas. The use of tempera has been a key discovery for me, as it allows for the seamless combination of water-based and oil-based painting materials, enabling the incorporation of both Eastern and Western aspects of painting into my works. As an artist with roots in Japan who has also learned and lived in both Japan and Western Europe, Hiromi Sengoku explores how to remix Eastern and Western influences within my own work. In today's increasingly globalized society, rigidly adhering to one side feels unnatural. She makes the coexistence of Eastern and Western elements resonate with the issues of lines and color surfaces in painting, and continuously seek ways to achieve this balance in her work.
Óleo, témpera, acrílico, pigmento mineral japonés, pan de oro sobre lino panelado Hiromi Sengoku es una artista japonesa nacida en 1982 que vive y trabaja en Londres, Reino Unido. Desde 2008, participa regularmente en exposiciones individuales en Japón y en numerosas exposiciones colectivas. También ha participado en ferias de arte nacionales e internacionales con la galería NICHE y la galerie bruno en París y Tiflis. Entre sus premios más destacados se encuentran la Beca Holbein (2004), el Premio Shell Art - Premio del Jurado Kunio Motoe (2011), Nominada al Gran Premio de la Exposición del Museo Real de Ueno (2015) y el Premio/ Gran Premio FACE del Museo de Arte Sompo Japan Nipponkoa (2018). También participó como miembro del jurado de la Beca Holbein en 2019 y 2021. Además de mi tema en curso de 'reconstruir las técnicas y estilos clásicos de pintura al óleo con una perspectiva contemporánea', Hiromi ha estado utilizando una variedad de materiales de pintura en los últimos años, incluidos acrílicos, témperas y pigmentos minerales, especialmente acuosos. Esta exploración surge del deseo de reconsiderar la pintura en una sociedad cada vez más diversa y globalizada, al tiempo que reconecto con mi identidad de artista arraigada en el este de Japón. A lo largo de la historia, los materiales y las técnicas pictóricas se han desarrollado en estrecha relación con el clima, la cultura y la sociedad de sus respectivas regiones. Las tradiciones artísticas de todo el mundo se han diversificado y, en los tiempos modernos, han incorporado activamente influencias de otras culturas. Por ejemplo, la transmisión de técnicas de perspectiva de Occidente a Japón durante el periodo Edo, así como la influencia de tradiciones pictóricas no occidentales en artistas occidentales desde la era del japonismo hasta artistas modernos y contemporáneos como Matisse y Hockney, por ejemplo, demuestran el importante impacto del intercambio transcultural en la pintura. Sin embargo, al repasar la historia de la pintura, observó que antes de la diferenciación de los materiales y las técnicas pictóricas, había muchos puntos en común. Las obras prerrenacentistas, como el temple y los frescos, compartían la simplicidad de las líneas y las superficies planas de color, así como una expresión del espacio que no se basaba en la perspectiva. Estos aspectos tenían importantes paralelismos con las pinturas japonesas Yamato-e, y había similitudes en el uso de perspectivas isométricas con líneas oblicuas y la representación de figuras humanas y criaturas. Esta expresión compartida tenía una profunda conexión con las propiedades inherentes de los materiales pictóricos. El artista encontró la fuente de estas expresiones comunes en las antiguas pinturas rupestres. Con pigmentos elaborados a partir de materiales fácilmente disponibles, los antiguos artistas crearon imágenes en las paredes de las cuevas, utilizando la textura de la superficie de la roca para dar vida a sus representaciones con líneas mínimas, incluso transmitiendo profundidad espacial. El deseo de los humanos de "recrear imágenes en una superficie plana" es primitivo, y la emoción que se produce cuando las líneas y los colores empiezan a formar imágenes, dando origen al "mundo", es una experiencia universal que trasciende el tiempo y la cultura. Esta sensación primigenia de "el mundo surgiendo en una superficie plana" es lo que pretendo plasmar en el lienzo, permitiendo al espectador redescubrir y experimentar la "ilusión" inherente a la pintura". Para lograrlo, conserva deliberadamente en mis obras elementos como las líneas de dibujo visibles y la materialidad de las pinturas naturales. Las cualidades impredecibles de las pinturas al agua, como su absorción y esparcimiento incontrolable, no sólo ayudan en este empeño, sino que infunden a las obras una sensibilidad oriental. Los temas de sus cuadros proceden de la vida cotidiana, y a menudo destacan momentos aparentemente discretos o palabras que resuenan en mí. Este proceso está impulsado por mi deseo de representar la universalidad de nuestro mundo y, en el fondo, la esperanza de encontrar algo significativo incluso en las texturas y manchas del lienzo. El uso del temple ha sido un descubrimiento clave para mí, ya que permite combinar a la perfección materiales de pintura al agua y al óleo, lo que posibilita la incorporación de aspectos orientales y occidentales de la pintura en mis obras. Como artista con raíces japonesas que también ha aprendido y vivido tanto en Japón como en Europa Occidental, Hiromi Sengoku explora cómo remezclar las influencias orientales y occidentales en mi propia obra. En la sociedad actual, cada vez más globalizada, adherirse rígidamente a un bando resulta antinatural. Ella hace que la coexistencia de elementos orientales y occidentales resuene con las cuestiones de las líneas y las superficies de color en la pintura, y busca continuamente formas de lograr este equilibrio en su obra.
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